El secreto del abismo.
Publicado por Andrés el viernes, octubre 30, 2009
En una primera lectura El secreto del abismo pareciera seguir el patrón de aquellas cintas de los años 50 en torno a sucesos fantásticos ambientados en el contexto de la Guerra Fría. Los encargados de una planta petrolera subterránea deben ayudar a la armada norteamericana en una operación de rescate de un submarino. Sin embargo la misión no estará excenta de dificultades donde se conjugan el infortunio, la paranoia y las situaciones fantásticas de la mano de unas extrañas criaturas.
James Cameron es un director cuyo obra cinematográfica siempre ha ido de la mano con la aplicación de nuevas tecnologías, sin escatimar recursos en aquello. Sin embargo, más allá de estos aspectos técnicos, el cine de James Cameron refleja su fascinación por las historias de amor. Es el lado sensible de un director que suele dirigir con rudeza, traspasando su temperamento a los personajes femeninos que protagonizan sus historias.
Mujeres de carácter, muy determinadas. A su lado está el hombre que las alienta a doblegar su propio destino. El secreto del abismo calza con esta definición. Virgil y Lindsey, los protagonsitas de la historia, son un matrimonio que ponen a prueba su relación, particularmente por la pasión que ambos sienten por su trabajo y mñas aún para hacer frente a la desquiciada actitud del teniente Coffey, que en su fanatismo intenta apoderarse de la plataforma y realizar su misión bajo su propio criterio.
El secreto del abismo no tuvo el éxito de otras cintas de Cameron. También tiene algunas pequeñas imperfecciones que pudieron haberse afinado más. Sin embargo ofrece extraordinarias virtudes: un guión contundente en la acción y suspenso, creíble y sólido argumento, con personajes bien desarrollados. A esto se suma la habilidad de Cameron en mostrar imágenes limpias, con buen uso de cámara y fotografía. Un trabajo destacado dentro de la relativamente corta pero muy interesante filmografía de James Cameron.
Ficha Técnica:
El secreto del abismo.
Título Original: The Abyss.
Año: 1989.
Duración: 146 min.
Director: James Cameron.
Guión: James Cameron.
Música: Alan Silvestri.
Fotografía: Mikael Salomon.
Reparto: Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn.
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James Cameron es un director cuyo obra cinematográfica siempre ha ido de la mano con la aplicación de nuevas tecnologías, sin escatimar recursos en aquello. Sin embargo, más allá de estos aspectos técnicos, el cine de James Cameron refleja su fascinación por las historias de amor. Es el lado sensible de un director que suele dirigir con rudeza, traspasando su temperamento a los personajes femeninos que protagonizan sus historias.
Mujeres de carácter, muy determinadas. A su lado está el hombre que las alienta a doblegar su propio destino. El secreto del abismo calza con esta definición. Virgil y Lindsey, los protagonsitas de la historia, son un matrimonio que ponen a prueba su relación, particularmente por la pasión que ambos sienten por su trabajo y mñas aún para hacer frente a la desquiciada actitud del teniente Coffey, que en su fanatismo intenta apoderarse de la plataforma y realizar su misión bajo su propio criterio.
El secreto del abismo no tuvo el éxito de otras cintas de Cameron. También tiene algunas pequeñas imperfecciones que pudieron haberse afinado más. Sin embargo ofrece extraordinarias virtudes: un guión contundente en la acción y suspenso, creíble y sólido argumento, con personajes bien desarrollados. A esto se suma la habilidad de Cameron en mostrar imágenes limpias, con buen uso de cámara y fotografía. Un trabajo destacado dentro de la relativamente corta pero muy interesante filmografía de James Cameron.
Ficha Técnica:
El secreto del abismo.
Título Original: The Abyss.
Año: 1989.
Duración: 146 min.
Director: James Cameron.
Guión: James Cameron.
Música: Alan Silvestri.
Fotografía: Mikael Salomon.
Reparto: Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn.
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La ciudad de los fotógrafos.
Publicado por Andrés el miércoles, septiembre 30, 2009
Durante el régimen de Augusto Pinochet, un grupo de fotógrafos intentaron llevar a cabo su labor dando a conocer las innumerables situaciones relacionadas con la violación de los derechos humanos. Agrupados en la AFI (Asociación de Fotógrafos Independientes), estas personas se enfrentaron a la censura y al poder que en aquel entonces los organismos del Estado aplicaron a los que ellos veían como opositores. La historia de estos hombres y mujeres es la que se narra en este documental.
En el transcurso del relato se van describiendo las historias de estos fotógrafos, quienes van narrando y recreando en parte algunos de los episodios que más los marcaron, momentos difíciles, y que fueron registrados en fotografías de fuerte valor histórico y emotivo, haciendo oficial lo que en ese momento no lo era, y remarcando la importancia (y el deber) de estar en el momento y lugar adecuado.
Siempre resulta emotivo en un documental el testimonio, más aún cuando se es testigo de hechos atroces. La fuerza de este documental se encuentra en aquello y en destacar el acertado registro fotográfico de sus autores. Pero más interesante aún es que este documental no sólo se centra en los hechos ocurridos sino también en las personas, las que recuerdan, las que fueron testigos, y particularmente las que murieron, aquellas que viven en el recuerdo y de quienes sólo quedan sus fotografías.
Quizás uno de los puntos débiles de este documental se haya en la justificación del título, el cual mediante una voz en off intenta otorgarle cierto matiz de metáfora, en un intento por construir en el concepto de ciudad un ideal, una imagen, pero que no tiene el peso suficiente para sobresalir en la película. Finalmente se imponen otros conceptos, más potentes y de mayor alcance, como aquella que señala que estar en una fotografía con la familia significa ser parte de la historia de la humanidad.
Finalmente es destacable la última parte del documental, con los fotógrafos portando ampliaciones de sus fotografías y exhibiéndolas en la calle donde los transeúntes, muchos de ellos jóvenes que probablemente ni siquiera vivieron el periodo en que fueron captadas, observan con interés momentos de mucho significado, y que refleja el propósito final de ese registro fotográfico y al cual este documental contribuye: el acercamiento a hechos históricos que no deben volver a ocurrir.
La ciudad de los fotógrafos.
Año: 2006.
Duración: 80 min.
Director: Sebastián Moreno.
Guión: Claudia Barril, Nona Fernández, Sebastián Moreno.
Música: Manuel García, Silvio Paredes.
Fotografía: David Bravo, Sebastián Moreno.
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En el transcurso del relato se van describiendo las historias de estos fotógrafos, quienes van narrando y recreando en parte algunos de los episodios que más los marcaron, momentos difíciles, y que fueron registrados en fotografías de fuerte valor histórico y emotivo, haciendo oficial lo que en ese momento no lo era, y remarcando la importancia (y el deber) de estar en el momento y lugar adecuado.
Siempre resulta emotivo en un documental el testimonio, más aún cuando se es testigo de hechos atroces. La fuerza de este documental se encuentra en aquello y en destacar el acertado registro fotográfico de sus autores. Pero más interesante aún es que este documental no sólo se centra en los hechos ocurridos sino también en las personas, las que recuerdan, las que fueron testigos, y particularmente las que murieron, aquellas que viven en el recuerdo y de quienes sólo quedan sus fotografías.
Quizás uno de los puntos débiles de este documental se haya en la justificación del título, el cual mediante una voz en off intenta otorgarle cierto matiz de metáfora, en un intento por construir en el concepto de ciudad un ideal, una imagen, pero que no tiene el peso suficiente para sobresalir en la película. Finalmente se imponen otros conceptos, más potentes y de mayor alcance, como aquella que señala que estar en una fotografía con la familia significa ser parte de la historia de la humanidad.
Finalmente es destacable la última parte del documental, con los fotógrafos portando ampliaciones de sus fotografías y exhibiéndolas en la calle donde los transeúntes, muchos de ellos jóvenes que probablemente ni siquiera vivieron el periodo en que fueron captadas, observan con interés momentos de mucho significado, y que refleja el propósito final de ese registro fotográfico y al cual este documental contribuye: el acercamiento a hechos históricos que no deben volver a ocurrir.
La ciudad de los fotógrafos.
Año: 2006.
Duración: 80 min.
Director: Sebastián Moreno.
Guión: Claudia Barril, Nona Fernández, Sebastián Moreno.
Música: Manuel García, Silvio Paredes.
Fotografía: David Bravo, Sebastián Moreno.
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Etiquetas: Documentales
Shutter Island [Trailer].
Publicado por Andrés el lunes, agosto 31, 2009
Resulta curioso la incursión de Scorsese en el thriller psicológico. Habituado al retrato de personajes marginales y mafiosos, su cine se ha focalizado en plasmar momentos de acción y violencia condimentado con escenas de la vida cotidiana de sus personajes. Muchos de esos momentos se encuentra entre lo más destacado en la historia del cine. Sin embargo cuando ha incursionado en otros géneros o ambientando sus relatos en otras épocas su cine pierde fuerza.
Ejemplos hay varios: New York New York, Kundun, Gangs of New York, Cape Fear. Precisamente esta última es el antecedente directo de Shutter Island. En aquella cinta Robert de Niro interpretaba a un ex-convicto que no pierde ocasión en acosar a su ex-abogado que no supo (o no quiso) defenderlo. El resultado no fue del todo placentero, principalmente porque Scorsese se sobregiró en algunas escenas que resultaron ser poco creíbles.
Shutter Island es un nuevo intento de scorsese por ampliar su registro como realizador, y el trailer destaca los momentos de tensión y suspenso que parecen abundar en la historia. Leonardo di Caprio interpreta a un policía que debe investigar la desaparición de una mujer recluida en una Institución Mental para criminales. La película está basada en la novela de Dennis Lehane, el mismo autor de Mystic River y Gone Baby Gone. Ojalá que esta vez Scorsese haga un aporte al género del suspenso y no sólo se limite a seguir las fórmulas narrativas de esta clase de películas.
Ejemplos hay varios: New York New York, Kundun, Gangs of New York, Cape Fear. Precisamente esta última es el antecedente directo de Shutter Island. En aquella cinta Robert de Niro interpretaba a un ex-convicto que no pierde ocasión en acosar a su ex-abogado que no supo (o no quiso) defenderlo. El resultado no fue del todo placentero, principalmente porque Scorsese se sobregiró en algunas escenas que resultaron ser poco creíbles.
Shutter Island es un nuevo intento de scorsese por ampliar su registro como realizador, y el trailer destaca los momentos de tensión y suspenso que parecen abundar en la historia. Leonardo di Caprio interpreta a un policía que debe investigar la desaparición de una mujer recluida en una Institución Mental para criminales. La película está basada en la novela de Dennis Lehane, el mismo autor de Mystic River y Gone Baby Gone. Ojalá que esta vez Scorsese haga un aporte al género del suspenso y no sólo se limite a seguir las fórmulas narrativas de esta clase de películas.
Una breve mirada al cine de Clint Eastwood.
Publicado por Andrés el jueves, julio 30, 2009
La carrera cinematográfica de Clint Eastwood se forjó en la actuación con roles marcados por un rostro curtido para personajes duros y de pocas palabras, aquellos que distinguieron las carreras de actores como Lee Marvin, James Coburn o Charles Bronson. Quizás previendo la poca longevidad que dichos roles le pudieran otorgar en la industria del cine Eastwood fue interesándose en la dirección, donde pudo plasmar un estilo particular dando vida a historias sólidas y bien armadas.
El nivel que ha alcanzado Clint Eastwood como director en los últimos años permite hacer una revisión de su trayectoria. Porque si bien nadie discute que este director ha rozado la perfección con un par de cintas, lo cierto es que ante todo Eastwood es un correcto narrador que ha logrado gatillar cierto gusto emocional de muchos espectadores (entre ellos los miembros de la Academia de Hollywood), teniendo especial predilección por los relatos melodramáticos.
Eastwood no es guionista de sus películas, sino que deposita su confianza en algún escritor para trabajar una idea original o bien adaptando alguna novela. A partir de allí Eastwood desarrolla un estilo muy tradicional en el uso del lenguaje cinematográfico. Su virtud radica en la austeridad de su puesta en escena, esto es no gastar energías en vistosos movimientos de cámaras o en juegos de edición acompañados de empalagosas melodías, sino que deja que la emotividad surja de manera simple a través de los personajes y sus acciones.
Eastwood se aproxima a través de los personajes para darle sustentabilidad a la historia. De allí que da la sensación de cierta intimidad en su cine, con habitual presencia de planos cerrados y diálogos pausados. Con esto logra además armar relatos en que, en muchos casos, las premisas no son lo suficientemente convincentes, pero que de la mano de Eastwood transmiten convicción. La habilidad narrativa de Eastwood le ha permitido dirigir peculiares trabajos como Poder Absoluto y Jinetes del Espacio.
Durante años Eastwood cultivó frente a las cámaras la imagen del hombre rudo, violento, intolerable. Su aspecto físico y su registro actoral no le permitió afrontar con éxito otro tipo de roles. Sin embargo lo anterior no le ha impedido destacarse como un gran director de actores. Basta recordar las actuaciones de Forest Whitaker en Bird, Gene Hackman en Los Imperdonables, Sean Penn y Tim Robbins en Río Místico, Hilary Swank y Morgan Freeman en Million Dollar Baby, y Angelina Jolie en Changeling.
También, como buen director que es, ha sabido rodearse de leales colaboradores. En la confección del guión Eastwood ha tenido varios escritores (Jo Heims, Brian Helgeland, Paul Haggis) con algunos de los cuales ha repetido su participación. En la fotografía Jack N. Green y Tom Stern han sido sus habituales colaboradores, mientras que Lennie Niehaus lo ha sido en la composición de las bandas sonoras. Cabe señalar que en este último aspecto es donde el mismo Eastwood ha desarrollado últimamente una interesante muestra de su diversidad como artista.
Uno de los aspectos más destacable en Eastwood es que ha ido afinando su narrativa cinematográfica con los años, y a diferencia de otros realizadores el paso de los años no ha sido en vano. A continuación los principales hitos de su carrera como cineasta:
Play Misty for Me (1971): Su debut tras las cámaras fue con esta cinta de suspenso en torno a un locutor radial que se involucra con una mujer. El mismo Eastwood ha señalado que una de las razones para hacer esta cinta era la oportunidad de interpretar un rol totalmente alejado del estereotipo rudo por el cual era conocido.
Pale Rider (1985): Eastwood alcanzó notoriedad como actor de los western de Sergio Leone. Con el director italiano aprendió algunos códigos del género que adaptó a su estilo sobrio. En esta película Eastwood ratifica el interés por los personajes y sus motivaciones. Con diálogos precisos y sin demasiadas explicaciones, Eastwood utiliza la cámara con ese propósito, más que en tratar de impactar con efectos de edición u otro tipo de artilugios narrativos.
Bird (1988): Su primera película realmente importante. Eastwood realiza esta cinta -la segunda sin aparecer frente a las cámaras- fruto de su amor por el jazz. La hitoria de Charlie "Bird" Parker, uno de los grandes jazzistas del siglo XX. El éxito de esta cinta impulsó la carrera de Eastwood en Hollywood, donde no había aún logrado cautivar a la crítica y al público, consideración que también se vio reflejada en el Festival de Cannes de 1988. Posteriormente Eastwood plasmaría nuevamente en pantalla su devoción por el jazz en The Blues, un documental realizado junto a Martin Scorsese, Mike Figgis, Wim Wenders y otros realizadores.
Unforgiven (1992): Uno de los grandes western de la historia y de paso su película más importante. Nuevamente Eastwood apuesta por un relato sobrio en una historia habitada por personajes que se alejan del registro por el cual era conocido él mismo como actor, mostrando a ex asesinos que ahora se muestran incapaces de matar, dubitativos y temerosos de lo que van a hacer, y donde de paso se desmitifica al género. Brillantemente filmada, con actuaciones memorables y una frase de antología.
The Bridges of Madison County (1995): Una historia de amor adulta, limitadas a los espacios, las miradas, los diálogos. Eastwood se permite interpretar a un fotógrafo del National Geographic que conoce a una mujer casada, despertando en ella sentimientos que el tiempo y la rutina los había depositado en el olvido.
Mystic River (2003): Poderoso drama que vincula a tres hombres que en su infancia mantuvieron una amistad hasta el día en que uno de ellos fue secuestrado. En esta película Eastwood demuestra una vez más que es un gran director de actores.
Million Dollar Baby (2004): Su segunda distinción como mejor director en los premios de la Academia, amén del premio a la mejor película, con lo cual prácticamente hipotecó la posibilidad de ser distinguido por futuras realizaciones (como Gran Torino). Un relato melodramático, con exceso de explicaciones en su relato.
Flags of Our Fathers y Letters from Iwo Jima (2006): Su colaboración con Steven Spielberg se inició en la serie Amazing Stories, continuó en Los puentes de Madison y se consolidó con este bíptico de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico bajo la mirada de los vencedores y vencidos.
Gran Torino (2008): Eastwood se vuelve a dirigir a sí mismo interpretando una vez más a un personaje poco tolerante que niega adaptarse a los cambios. Una cinta bien recibida por público y crítica, y que quizás sea la última en su carrera como actor.
Invictus (2009): En su próxima película, Eastwood contará la historia de cómo se gestó el campeonato mundial de rugby en Sudáfrica en 1995, donde el tema político y social jugaron un rol fundamental en su concreción. Esta vez no actúa y sede el protagonismo a Matt Damon y a un conocido colaborador suyo, Morgan Freeman, en el rol del ex-Presidente de Sudáfrica Nelson Mandela.
Links:
Clint Eastwood en IMDb.
Clint Eastwood en Wikipedia.
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El nivel que ha alcanzado Clint Eastwood como director en los últimos años permite hacer una revisión de su trayectoria. Porque si bien nadie discute que este director ha rozado la perfección con un par de cintas, lo cierto es que ante todo Eastwood es un correcto narrador que ha logrado gatillar cierto gusto emocional de muchos espectadores (entre ellos los miembros de la Academia de Hollywood), teniendo especial predilección por los relatos melodramáticos.
Eastwood no es guionista de sus películas, sino que deposita su confianza en algún escritor para trabajar una idea original o bien adaptando alguna novela. A partir de allí Eastwood desarrolla un estilo muy tradicional en el uso del lenguaje cinematográfico. Su virtud radica en la austeridad de su puesta en escena, esto es no gastar energías en vistosos movimientos de cámaras o en juegos de edición acompañados de empalagosas melodías, sino que deja que la emotividad surja de manera simple a través de los personajes y sus acciones.
Eastwood se aproxima a través de los personajes para darle sustentabilidad a la historia. De allí que da la sensación de cierta intimidad en su cine, con habitual presencia de planos cerrados y diálogos pausados. Con esto logra además armar relatos en que, en muchos casos, las premisas no son lo suficientemente convincentes, pero que de la mano de Eastwood transmiten convicción. La habilidad narrativa de Eastwood le ha permitido dirigir peculiares trabajos como Poder Absoluto y Jinetes del Espacio.
Durante años Eastwood cultivó frente a las cámaras la imagen del hombre rudo, violento, intolerable. Su aspecto físico y su registro actoral no le permitió afrontar con éxito otro tipo de roles. Sin embargo lo anterior no le ha impedido destacarse como un gran director de actores. Basta recordar las actuaciones de Forest Whitaker en Bird, Gene Hackman en Los Imperdonables, Sean Penn y Tim Robbins en Río Místico, Hilary Swank y Morgan Freeman en Million Dollar Baby, y Angelina Jolie en Changeling.
También, como buen director que es, ha sabido rodearse de leales colaboradores. En la confección del guión Eastwood ha tenido varios escritores (Jo Heims, Brian Helgeland, Paul Haggis) con algunos de los cuales ha repetido su participación. En la fotografía Jack N. Green y Tom Stern han sido sus habituales colaboradores, mientras que Lennie Niehaus lo ha sido en la composición de las bandas sonoras. Cabe señalar que en este último aspecto es donde el mismo Eastwood ha desarrollado últimamente una interesante muestra de su diversidad como artista.
Uno de los aspectos más destacable en Eastwood es que ha ido afinando su narrativa cinematográfica con los años, y a diferencia de otros realizadores el paso de los años no ha sido en vano. A continuación los principales hitos de su carrera como cineasta:
Play Misty for Me (1971): Su debut tras las cámaras fue con esta cinta de suspenso en torno a un locutor radial que se involucra con una mujer. El mismo Eastwood ha señalado que una de las razones para hacer esta cinta era la oportunidad de interpretar un rol totalmente alejado del estereotipo rudo por el cual era conocido.
Pale Rider (1985): Eastwood alcanzó notoriedad como actor de los western de Sergio Leone. Con el director italiano aprendió algunos códigos del género que adaptó a su estilo sobrio. En esta película Eastwood ratifica el interés por los personajes y sus motivaciones. Con diálogos precisos y sin demasiadas explicaciones, Eastwood utiliza la cámara con ese propósito, más que en tratar de impactar con efectos de edición u otro tipo de artilugios narrativos.
Bird (1988): Su primera película realmente importante. Eastwood realiza esta cinta -la segunda sin aparecer frente a las cámaras- fruto de su amor por el jazz. La hitoria de Charlie "Bird" Parker, uno de los grandes jazzistas del siglo XX. El éxito de esta cinta impulsó la carrera de Eastwood en Hollywood, donde no había aún logrado cautivar a la crítica y al público, consideración que también se vio reflejada en el Festival de Cannes de 1988. Posteriormente Eastwood plasmaría nuevamente en pantalla su devoción por el jazz en The Blues, un documental realizado junto a Martin Scorsese, Mike Figgis, Wim Wenders y otros realizadores.Unforgiven (1992): Uno de los grandes western de la historia y de paso su película más importante. Nuevamente Eastwood apuesta por un relato sobrio en una historia habitada por personajes que se alejan del registro por el cual era conocido él mismo como actor, mostrando a ex asesinos que ahora se muestran incapaces de matar, dubitativos y temerosos de lo que van a hacer, y donde de paso se desmitifica al género. Brillantemente filmada, con actuaciones memorables y una frase de antología.
The Bridges of Madison County (1995): Una historia de amor adulta, limitadas a los espacios, las miradas, los diálogos. Eastwood se permite interpretar a un fotógrafo del National Geographic que conoce a una mujer casada, despertando en ella sentimientos que el tiempo y la rutina los había depositado en el olvido.
Mystic River (2003): Poderoso drama que vincula a tres hombres que en su infancia mantuvieron una amistad hasta el día en que uno de ellos fue secuestrado. En esta película Eastwood demuestra una vez más que es un gran director de actores.
Million Dollar Baby (2004): Su segunda distinción como mejor director en los premios de la Academia, amén del premio a la mejor película, con lo cual prácticamente hipotecó la posibilidad de ser distinguido por futuras realizaciones (como Gran Torino). Un relato melodramático, con exceso de explicaciones en su relato.
Flags of Our Fathers y Letters from Iwo Jima (2006): Su colaboración con Steven Spielberg se inició en la serie Amazing Stories, continuó en Los puentes de Madison y se consolidó con este bíptico de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico bajo la mirada de los vencedores y vencidos.
Gran Torino (2008): Eastwood se vuelve a dirigir a sí mismo interpretando una vez más a un personaje poco tolerante que niega adaptarse a los cambios. Una cinta bien recibida por público y crítica, y que quizás sea la última en su carrera como actor.
Invictus (2009): En su próxima película, Eastwood contará la historia de cómo se gestó el campeonato mundial de rugby en Sudáfrica en 1995, donde el tema político y social jugaron un rol fundamental en su concreción. Esta vez no actúa y sede el protagonismo a Matt Damon y a un conocido colaborador suyo, Morgan Freeman, en el rol del ex-Presidente de Sudáfrica Nelson Mandela.
Links:
Clint Eastwood en IMDb.
Clint Eastwood en Wikipedia.
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Etiquetas: Semblanzas
Waltz with Bashir.
Publicado por Andrés el martes, junio 30, 2009
La memoria suele comportarse de manera extraña. Puede alterar nuestros recuerdos al punto de modificarlos o borrarlos completamente, en particular si se ha sido testigo presencial de episodios atroces que contienen un fuerte impacto emocional, como lo es la guerra. Sin embargo el cine puede impedir que el olvido se abra paso, registrando testimonios que dan fe de situaciones que la mente, quizás en un acto de defensa, intenta borrar.
El director Ari Folman nos ofrece su apreciación del conflicto bélico ocurrido en el Líbano a principios de los 80 en el cual él mismo fue protagonista. El resultado es un minucioso trabajo de animación que da cuenta de situaciones reales vividas por los soldados y los efectos que aquello produjo en sus vidas, relacionado particularmente con olvidos, pesadillas y recuerdos fragmentados. Folman también es uno de aquellos que ha sufrido una suerte de amnesia de lo ocurrido.
Las situaciones violentas convertidas en sutiles episodios de magia y emoción, las alucinantes imágenes que esconden un cúmulo de emociones que se mezclan, evolucionan. El recuerdo alterado. Es el tránsito por reconstruir lo vivenciado lo que en gran parte el espectador es testigo de este trabajo, cuyas imágenes sin embargo no logran esconder el impacto de las últimas imágenes, aquellas que resultan de un acto repudiable.
Folman desarrolla un trabajo de excelente factura técnica, con uso de una poderosa banda sonora que mezcla rock, música clásica y sonidos disonantes, balanceando una narrativa de ficción con diálogos y testimonios que buscan una explicación o un desahogo. El uso de la animación refuerza el concepto de imágenes oníricas que dan la sensación de que quizás lo experimentado puede ser un sueño, aunque al final se encuentre la realidad, dura, sin efectismos, a la que nadie puede escapar.
Ficha Técnica:
Waltz with Bashir.
Título Original: Waltz with Bashir.
Año: 2008.
Duración: 86 min.
Director: Ari Folman.
Guión: Ari Folman.
Música: Max Richter.
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El director Ari Folman nos ofrece su apreciación del conflicto bélico ocurrido en el Líbano a principios de los 80 en el cual él mismo fue protagonista. El resultado es un minucioso trabajo de animación que da cuenta de situaciones reales vividas por los soldados y los efectos que aquello produjo en sus vidas, relacionado particularmente con olvidos, pesadillas y recuerdos fragmentados. Folman también es uno de aquellos que ha sufrido una suerte de amnesia de lo ocurrido.
Las situaciones violentas convertidas en sutiles episodios de magia y emoción, las alucinantes imágenes que esconden un cúmulo de emociones que se mezclan, evolucionan. El recuerdo alterado. Es el tránsito por reconstruir lo vivenciado lo que en gran parte el espectador es testigo de este trabajo, cuyas imágenes sin embargo no logran esconder el impacto de las últimas imágenes, aquellas que resultan de un acto repudiable.
Folman desarrolla un trabajo de excelente factura técnica, con uso de una poderosa banda sonora que mezcla rock, música clásica y sonidos disonantes, balanceando una narrativa de ficción con diálogos y testimonios que buscan una explicación o un desahogo. El uso de la animación refuerza el concepto de imágenes oníricas que dan la sensación de que quizás lo experimentado puede ser un sueño, aunque al final se encuentre la realidad, dura, sin efectismos, a la que nadie puede escapar.
Ficha Técnica:
Waltz with Bashir.
Título Original: Waltz with Bashir.
Año: 2008.
Duración: 86 min.
Director: Ari Folman.
Guión: Ari Folman.
Música: Max Richter.
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Etiquetas: Animación, Documentales
Eraserhead.
Publicado por Andrés el viernes, mayo 29, 2009
Eraserhead es el primer largometraje del director David Lynch. En él se cuenta la historia de Henry Spencer, un hombre que trabaja en una imprenta y que se entera que Mary, su novia a la que hace un tiempo no ve, ha dado a luz a un extraño ser. A partir de ese momento Henry se verá envuelto en un conjunto de situaciones que irán alterando su existencia.
El cine de David Lynch contiene relatos subjetivos basados en una premisa simple que se desarrollan en su mayor parte presentando universos oníricos que conjugan el realismo y la abstracción, intentando transmitir lo que los sueños hacen en nuestras mentes, esto es la libre asociación de hechos e imágenes cuyas partes no parecieran tener correlación alguna pero que supone un significado emocional.
Bien se podría pensar entonces que en realidad el espectador se encuentra dentro de la mente de Henry observando una mezcla de situaciones que alternan por una parte sus recuerdos y por otra la proyección de sus diferentes estados de ánimo: temor, placer, alegría, inseguridad. David Lynch utiliza de este modo el lenguaje de los sueños para contar historias.
Eraserhead contiene una primera mitad narrada de manera más convencional pero no exenta de situaciones extrañas, presentando hechos, personajes y detallando su entorno y sus motivaciones. La segunda mitad resulta estar más cerca de lo alegórico, lo que da pie a su vez a la reinterpretación de lo visto con anterioridad. Lynch ha recurrido a este recurso en más de una ocasión para desarrollar sus trabajos.
Eraserhead tiene los elementos primarios del cine de Lynch, aquellos que con el tiempo se convertirían en un lugar común dentro del cine de este director: personajes bizarros, juegos de sonido y edición, cierta decoración y escenas que serpentean entre lo real y lo irreal. Realizado con pocos recursos, este trabajo ayuda sin embargo a definir un cine de autor que se ha mantenido vigente hasta el día de hoy.
Ficha Técnica:
Eraserhead.
Título Original: Eraserhead.
Año: 1977.
Duración: 88 min.
Director: David Lynch.
Guión: David Lynch.
Música: Peter Ivers & "Fats" Waller.
Fotografía: Frederick Elmes & Herbert Cardwell.
Reparto: John Nance, Charlotte Stewart, Judith Anna Roberts.
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El cine de David Lynch contiene relatos subjetivos basados en una premisa simple que se desarrollan en su mayor parte presentando universos oníricos que conjugan el realismo y la abstracción, intentando transmitir lo que los sueños hacen en nuestras mentes, esto es la libre asociación de hechos e imágenes cuyas partes no parecieran tener correlación alguna pero que supone un significado emocional.
Bien se podría pensar entonces que en realidad el espectador se encuentra dentro de la mente de Henry observando una mezcla de situaciones que alternan por una parte sus recuerdos y por otra la proyección de sus diferentes estados de ánimo: temor, placer, alegría, inseguridad. David Lynch utiliza de este modo el lenguaje de los sueños para contar historias.
Eraserhead contiene una primera mitad narrada de manera más convencional pero no exenta de situaciones extrañas, presentando hechos, personajes y detallando su entorno y sus motivaciones. La segunda mitad resulta estar más cerca de lo alegórico, lo que da pie a su vez a la reinterpretación de lo visto con anterioridad. Lynch ha recurrido a este recurso en más de una ocasión para desarrollar sus trabajos.
Eraserhead tiene los elementos primarios del cine de Lynch, aquellos que con el tiempo se convertirían en un lugar común dentro del cine de este director: personajes bizarros, juegos de sonido y edición, cierta decoración y escenas que serpentean entre lo real y lo irreal. Realizado con pocos recursos, este trabajo ayuda sin embargo a definir un cine de autor que se ha mantenido vigente hasta el día de hoy.
Ficha Técnica:
Eraserhead.
Título Original: Eraserhead.
Año: 1977.
Duración: 88 min.
Director: David Lynch.
Guión: David Lynch.
Música: Peter Ivers & "Fats" Waller.
Fotografía: Frederick Elmes & Herbert Cardwell.
Reparto: John Nance, Charlotte Stewart, Judith Anna Roberts.
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Tape.
Publicado por Andrés el miércoles, abril 29, 2009
Tres personajes, una habitación de motel, la amistad, los recuerdos, el rencor, la culpa y una cinta de audio. Tape establece un juego en que a través de un sólo acto tres personajes entran en conflicto sobre la base de la percepción, los sentimientos y la memoria que cada uno tiene sobre algunos hechos del pasado. Vince, un vendedor de drogas. Jon, un cineasta dando sus primeros pasos. Amy, una abogada. Tres ex-compañeros de secundaria que compartieron algo más que la amistad vuelven a encontrarse en la ciudad de Lansing, en el estado de Michigan, lugar en el que se celebra un festival de cine donde Jon expondrá una película.
Jon visita a Vince en el motel donde se hospeda. Sin saberlo, Vince ha planificado el encuentro de tal modo que entre ambos se produce una fuerte conversación que involucrará a Amy, quien posteriormente también llega al motel luego que Vince la ha invitado con la excusa de ir después a cenar. El esquema de Tape es muy simple. Vince es el gatillador del drama, el que va impulsando las situaciones para que los otros personajes participen en su juego. Jon es eventualmente la víctima del juego de Vince, el motivo del resentimiento que por años estuvo arrastrando consigo producto de la relación de su amigo con Amy, su ex-novia.
Pese a que la historia originalmente fue escrita para ser representada en el teatro, la habilidad del director Richard Linklater para otorgarle valor visual se concreta utilizando inteligentemente la cámara (ángulos, acercamientos) y sabiéndole imprimir ritmo y agilidad a la historia pese a las limitaciones de espacio. El argumento ofrece además algunos de los elementos que mejor trabaja este director: las relaciones afectivas. A través de los diálogos y las actuaciones va quedando en evidencia las consecuencias sobre hechos del pasado que vincularon a los tres personajes.
Vince espera una reacción de Amy ante la confesión de Jon y poder así cobrarse revancha, Jon espera una reacción de Amy ante lo que él era un hecho sin discusión. Amy es finalmente quien resuelve para ambos lados la situación, reaccionando de tal modo que sorprende a ambos hombres. Y es que la subjetividad con la que cada uno ve las cosas es la principal arma con que esta historia juega para producir conflicto entre los personajes. Tape es una cinta de personajes inteligente que deja al descubierto a los personajes en sus vulnerabilidades y fortalezas.
Ficha Técnica:
Tape.
Título Original: Tape.
Año: 2001.
Duración: 86 min.
Director: Richard Linklater.
Guión: Stephen Belber.
Fotografía: Maryse Alberti.
Reparto: Ethan Hawke, Robert Sean Leonard, Uma Thurman.
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Jon visita a Vince en el motel donde se hospeda. Sin saberlo, Vince ha planificado el encuentro de tal modo que entre ambos se produce una fuerte conversación que involucrará a Amy, quien posteriormente también llega al motel luego que Vince la ha invitado con la excusa de ir después a cenar. El esquema de Tape es muy simple. Vince es el gatillador del drama, el que va impulsando las situaciones para que los otros personajes participen en su juego. Jon es eventualmente la víctima del juego de Vince, el motivo del resentimiento que por años estuvo arrastrando consigo producto de la relación de su amigo con Amy, su ex-novia.
Pese a que la historia originalmente fue escrita para ser representada en el teatro, la habilidad del director Richard Linklater para otorgarle valor visual se concreta utilizando inteligentemente la cámara (ángulos, acercamientos) y sabiéndole imprimir ritmo y agilidad a la historia pese a las limitaciones de espacio. El argumento ofrece además algunos de los elementos que mejor trabaja este director: las relaciones afectivas. A través de los diálogos y las actuaciones va quedando en evidencia las consecuencias sobre hechos del pasado que vincularon a los tres personajes.
Vince espera una reacción de Amy ante la confesión de Jon y poder así cobrarse revancha, Jon espera una reacción de Amy ante lo que él era un hecho sin discusión. Amy es finalmente quien resuelve para ambos lados la situación, reaccionando de tal modo que sorprende a ambos hombres. Y es que la subjetividad con la que cada uno ve las cosas es la principal arma con que esta historia juega para producir conflicto entre los personajes. Tape es una cinta de personajes inteligente que deja al descubierto a los personajes en sus vulnerabilidades y fortalezas.
Ficha Técnica:
Tape.
Título Original: Tape.
Año: 2001.
Duración: 86 min.
Director: Richard Linklater.
Guión: Stephen Belber.
Fotografía: Maryse Alberti.
Reparto: Ethan Hawke, Robert Sean Leonard, Uma Thurman.
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Etiquetas: Richard Linklater
Rob Reiner, el director de Cuenta Conmigo.
Publicado por Andrés el lunes, marzo 30, 2009
La carrera de Rob Reiner en la dirección de películas comenzó con un clásico: This is Spinal Tap!, una excelente comedia del absurdo armada en base a un falso documental acerca de un grupo de glam rock. Era 1984, y el otrora actor de televisión hacia sus primeras armas en el cine con esta genial historia de unos extravagantes rockeros deudores del estilo de David Bowie. Dos años después llegaría su tercera película, Cuenta Conmigo, una de las más acertadas adaptaciones de un texto del escritor Stephen King.
Cuenta Conmigo narra la historia de cuatro muchachos que viajan a las afueras de su pueblo, Castle Rock, para ver el cuerpo de un joven muerto, y es hasta la fecha su película más recordada y que causa mayor admiración, quizás por la capacidad de Reiner para conmover con una historia sencilla centrada en los personajes mostrando con honestidad sus virtudes y defectos, y sin la necesidad de recurrir a fórmulas narrativas o recursos efectistas.
En 1987 estrena The Princess Bride , una cuento de hadas sin demasiadas pretensiones pero muy bien filmada y con momentos bien logrados. En 1989 Reiner estrenaría Cuando Harry conoció a Sally, cinta que confirmaría la habilidad de Reiner para la comedia. Con Misery, en 1990, vuelve a la adaptación de un texto de Stephen King, logrando un acabado relato de suspenso y terror. Reiner prescindió de elementos algo excesivos que se encontraban en el libro para hacer una cinta más realista y dramática.
En 1992 logra su peak en la industria del cine norteamericano con Cuestión de Honor, drama cuya principal virtud se encuentra en la capacidad de Reiner para dominar los egos de un reparto potente: Tom Cruise, Jack Nicholson y Demi Moore. El resultado: nominaciones en los Premios de la Academia a mejor película pero no a mejor director y una antológica actuación de Jack Nicholson. A partir de allí el trabajo de Reiner fue perdiendo sorpresa y originalidad. Ghosts of Mississippi, The American President, The Story of Us o The Bucket List han resultado ser trabajos menores que no se condicen con los logrados en sus primeros años.
Existen directores a los cuales les basta haber hecho una o dos películas para ser recordados por siempre. Ese es el caso de Rob Reiner, un director que aportó al cine algunos momentos inolvidables y que ya son parte de la historia del cine. Y aunque nunca es demasiado tarde para enmendar el rumbo y alcanzar nuevamente momentos de inspiración como las entregadas en sus inicios, lo cierto es que el tiempo irá confirmando esa idea ya arraigada entre muchos acerca de la manera en que será recordado Rob Reiner: como el director de Cuenta Conmigo.
Links:
Rob Reiner en IMDb.
Rob Reiner en Wikipedia.
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Cuenta Conmigo narra la historia de cuatro muchachos que viajan a las afueras de su pueblo, Castle Rock, para ver el cuerpo de un joven muerto, y es hasta la fecha su película más recordada y que causa mayor admiración, quizás por la capacidad de Reiner para conmover con una historia sencilla centrada en los personajes mostrando con honestidad sus virtudes y defectos, y sin la necesidad de recurrir a fórmulas narrativas o recursos efectistas.
En 1987 estrena The Princess Bride , una cuento de hadas sin demasiadas pretensiones pero muy bien filmada y con momentos bien logrados. En 1989 Reiner estrenaría Cuando Harry conoció a Sally, cinta que confirmaría la habilidad de Reiner para la comedia. Con Misery, en 1990, vuelve a la adaptación de un texto de Stephen King, logrando un acabado relato de suspenso y terror. Reiner prescindió de elementos algo excesivos que se encontraban en el libro para hacer una cinta más realista y dramática.
En 1992 logra su peak en la industria del cine norteamericano con Cuestión de Honor, drama cuya principal virtud se encuentra en la capacidad de Reiner para dominar los egos de un reparto potente: Tom Cruise, Jack Nicholson y Demi Moore. El resultado: nominaciones en los Premios de la Academia a mejor película pero no a mejor director y una antológica actuación de Jack Nicholson. A partir de allí el trabajo de Reiner fue perdiendo sorpresa y originalidad. Ghosts of Mississippi, The American President, The Story of Us o The Bucket List han resultado ser trabajos menores que no se condicen con los logrados en sus primeros años.Existen directores a los cuales les basta haber hecho una o dos películas para ser recordados por siempre. Ese es el caso de Rob Reiner, un director que aportó al cine algunos momentos inolvidables y que ya son parte de la historia del cine. Y aunque nunca es demasiado tarde para enmendar el rumbo y alcanzar nuevamente momentos de inspiración como las entregadas en sus inicios, lo cierto es que el tiempo irá confirmando esa idea ya arraigada entre muchos acerca de la manera en que será recordado Rob Reiner: como el director de Cuenta Conmigo.
Links:
Rob Reiner en IMDb.
Rob Reiner en Wikipedia.
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Etiquetas: Semblanzas
The Host.
Publicado por Andrés el jueves, febrero 26, 2009
Producto de la negligencia de unos científicos en una base militar norteamericana en Corea, una aberrante mutación surge a los pocos años en el río Han, atacando de improviso a la población de Seúl y llevándose consigo a la pequeña hija de un hombre no muy listo que trabaja atendiendo un quiosco de alimentos. A partir de esto se desarrolla una historia que mezcla los géneros del terror, la ciencia-ficción, el suspenso, el drama y la comedia.
Impecablemente realizada desde el punto de vista técnico (manejo de cámara, edición, fotografía y efectos especiales), The Host es una cinta ágil, entretenida y muy bien contada. Lo que le juega en contra son los cambios de tonalidades producto de los distintos géneros a que su realizador hecha mano. Iniciándose con un muy bien nivel de suspenso, seguido a los pocos minutos de una excelente secuencia de acción, de pronto se nos presenta el absurdo accionar de los miembros de la familia ante el drama de la pérdida de la niña raptada por el monstruo.
Quizás el objetivo de sus realizadores era precisamente no tomarse muy en serio esta historia de monstruos, pero la cuestión es que debajo del formato de una historia de dicho subgénero en donde se pasa de momentos de fuerte emotividad a otros hilarantes se hayan elementos argumentales más que interesantes, como la ironía de mostrar a los norteamericanos como conspiradores y co-responsables de una crisis medioambiental de proporciones insospechadas, y de paso dejar en evidencia el cinismo y la poca inteligencia que abundan entre las personas que ostentan alguna autoridad.
El sarcasmo uno de los puntos altos de la película, a lo cual se agregan unas cuantas secuencias dramáticas muy bien hilvanadas y contar además con un final al estilo de las producciones de Hollywood. The Host puede no ser una gran película, pero al menos tiene momentos rescatables y una ejecución muy bien lograda en lo técnico. De haber sido un poco más cuidadosos con ciertas escenas sus realizadores habrían llegado a un mejor balance entre el absurdo y el drama, una combinación de la cual se pueden obtener excelentes resultados.
Ficha Técnica:
The Host.
Título Original: Gwoemul.
Año: 2006.
Duración: 119 min.
Director: Bong Joon-Ho.
Guión: Bong Joon-ho, Ha Jun-weon, Baek Cheol-hyeon (Historia: Bong Joon-Ho).
Música: Byung-woo Lee.
Fotografía: Hyung-ku Kim.
Reparto: Song Kang-Ho, Byeon Heui-bong, Park Hae-il, Bae Du-na, Ko A-sung.
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Impecablemente realizada desde el punto de vista técnico (manejo de cámara, edición, fotografía y efectos especiales), The Host es una cinta ágil, entretenida y muy bien contada. Lo que le juega en contra son los cambios de tonalidades producto de los distintos géneros a que su realizador hecha mano. Iniciándose con un muy bien nivel de suspenso, seguido a los pocos minutos de una excelente secuencia de acción, de pronto se nos presenta el absurdo accionar de los miembros de la familia ante el drama de la pérdida de la niña raptada por el monstruo.
Quizás el objetivo de sus realizadores era precisamente no tomarse muy en serio esta historia de monstruos, pero la cuestión es que debajo del formato de una historia de dicho subgénero en donde se pasa de momentos de fuerte emotividad a otros hilarantes se hayan elementos argumentales más que interesantes, como la ironía de mostrar a los norteamericanos como conspiradores y co-responsables de una crisis medioambiental de proporciones insospechadas, y de paso dejar en evidencia el cinismo y la poca inteligencia que abundan entre las personas que ostentan alguna autoridad.
El sarcasmo uno de los puntos altos de la película, a lo cual se agregan unas cuantas secuencias dramáticas muy bien hilvanadas y contar además con un final al estilo de las producciones de Hollywood. The Host puede no ser una gran película, pero al menos tiene momentos rescatables y una ejecución muy bien lograda en lo técnico. De haber sido un poco más cuidadosos con ciertas escenas sus realizadores habrían llegado a un mejor balance entre el absurdo y el drama, una combinación de la cual se pueden obtener excelentes resultados.
Ficha Técnica:
The Host.
Título Original: Gwoemul.
Año: 2006.
Duración: 119 min.
Director: Bong Joon-Ho.
Guión: Bong Joon-ho, Ha Jun-weon, Baek Cheol-hyeon (Historia: Bong Joon-Ho).
Música: Byung-woo Lee.
Fotografía: Hyung-ku Kim.
Reparto: Song Kang-Ho, Byeon Heui-bong, Park Hae-il, Bae Du-na, Ko A-sung.
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Encuentros cercanos del tercer tipo.
Publicado por Andrés el jueves, enero 22, 2009
Encuentros cercanos del tercer tipo se encuentra en la categoría de los clásicos de la ciencia-ficción. Su relato constituye no sólo uno de los más gratificantes experiencias que ha dado el cine sino que además marcó un hito al retratar el encuentro entre seres humanos y extraterrestres de una manera no confrontacional, donde los seres del espacio vienen con buenas intenciones y que intentan por sobre todo comunicarse con los habitantes de este planeta. Para su director y guionista, el renombrado Steven Spielberg, le significó confirmar su prestigio luego del éxito de Tiburón y además armar un relato con características personales.
En Encuentros cercanos... un grupo compuesto por científicos y hombres del gobierno norteamericano intentan clarificar los extraños sucesos que ocurren en distintos lugares del planeta: extraños fenómenos en el cielo, aviones y barcos que se daban por perdidos que aparecen en insólitas locaciones y enigmáticos testimonios. Por otra parte se encuentra Roy Neary y Jillian Guiler, un técnico eléctrico y padre de familia y una madre que vive con su único hijo lejos de la ciudad. Ambos vivirán experiencias que los marcarán y los hará protagonistas de un evento sin precedentes.
Además del argumento principal esta cinta contiene una sublectura bastante interesante. Los alienígenas intentan hacer contacto con los seres humanos induciendo en sus mentes la imagen de una montaña y una breve melodía musical. La imagen y el sonido, los elementos esenciales del lenguaje cinematográfico constituyen aquí los medios básicos de una primera comunicación entre ambas especies. Luego, uno de los principales hombres a cargo de investigar los extraños sucesos y pieza clave en la organización de los seres humanos es un francés, Claude Lacombe, quien para poder comunicarse con los norteamericanos necesita de un traductor.
Finalmente se encuentra Roy Neary, el improbable viajero espacial, un hombre con serias deficiencias para comunicarse con su familia, a tal punto que ni siquiera es capaz de explicarle bien matemáticas a su hijo, ni menos tratar de explicarle a su mujer los extraños sucesos de los que ha sido testigo. Su historia contribuye a perfilar un argumento donde el tema central es la comunicación, con todo lo que este concepto significa. Una familia desunida es el mejor ejemplo de la falta de comunicación entre las personas, y por tanto una civilización altamente avanzada en múltiples aspectos debiera ostentar una clara comunicación entre sus individuos.
Spielberg ha tenido ocasión de desafiarse a sí mismo y presentar historias complejas y oscuras. Inteligencia Artificial y Minority Report son ejemplos de aquello, sin embargo ambas provienen de fuentes externas. Inteligencia Artificial fue un proyecto largamente acariciado por Stanley Kubrick basadp en un cuento de Brian Aldiss que nunca pudo concretar y Minority Report contiene varios elementos de la obra del escritor Philip K. Dick. Encuentros cercanos... en cambio contiene varios de los intereses propios de este director: evocaciones a su infancia, la vida fuera de La Tierra, las familias disfuncionales y los niños protagonistas.
El plano técnico es claramente uno de los aspectos más destacados de la cinta. En la fotografía Spielberg contó con la colaboración de Vilmos Zsigmond, aunque dicha labor también la ejercieron, entre otros, Laszlo Kovacs, John Alonzo, William A. Fraker y Douglas Slocombe. La banda sonora corresponde a uno de los viejos colaboradores del director, John Williams, quien desarrolla un extraordinario trabajo donde juega con los sonidos y las melodías disonantes en varias escenas (principalmente en el arribo de los alienígenas) y con la recordada melodía central que desarrolla sobre la base de cinco tonos y que en la última parte se despliega con toda majestuosidad.
Encuentros cercanos del tercer tipo ostenta uno de los desenlaces más fascinantes que ha dado el cine, impregnado de magia y emoción. Una culminación precisa para una travesía no excentas de dificultades para sus protagonistas y que realza los múltiples aciertos de esta cinta, como son su inteligente argumento y su impecable ejecución. Spielberg ha presentado varias ediciones desde su estreno, agregándole y quitándole escenas, que en ningún caso alteran la historia o su apreciación. La última edición del 2007, presentada para celebrar los 30 años de la película, ofrece el mejor resultado, demostrando una vez más que se trata de una obra que se mantiene vigente en el tiempo.
Ficha Técnica:
Encuentros cercanos del tercer tipo.
Título Original: Close encounters of the third kind.
Año: 1977.
Duración: 135 min. (1977), 132 min. (1980), 137 min. (2007).
Director: Steven Spielberg.
Guión: Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Vilmos Zsigmond.
Reparto: Richard Dreyfuss, François Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon, Bob Balaban.
Trivia 1: El director francés François Truffaut destacó por la dirección de niños en cintas como Los 400 golpes y L'Argent de poche. Spielberg también se ha destacado por incluir reiteradamente a niños en roles protagónicos de sus cintas.
Trivia 2: A pedido de Spielberg John Williams utilizó el leitmotiv de la canción When You Wish upon a Star, tema central de la película Pinocho de 1940.
Trivia 3: J. Allen Hynek fue un destacado investigador del fenómeno ovni. Prestó su asesoría para la realización de esta película y aparece brevemente en la escena final junto al resto de las personas que observan con asombro el arribo de los extraterrestres.
Trivia 4: Douglas Slocombe estuvo a cargo de la fotografía en las secuencias que ocurren en La India. Posteriormente Slocombe volvería a trabajar con Spielberg en las primeras tres películas de la serie de Indiana Jones.
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En Encuentros cercanos... un grupo compuesto por científicos y hombres del gobierno norteamericano intentan clarificar los extraños sucesos que ocurren en distintos lugares del planeta: extraños fenómenos en el cielo, aviones y barcos que se daban por perdidos que aparecen en insólitas locaciones y enigmáticos testimonios. Por otra parte se encuentra Roy Neary y Jillian Guiler, un técnico eléctrico y padre de familia y una madre que vive con su único hijo lejos de la ciudad. Ambos vivirán experiencias que los marcarán y los hará protagonistas de un evento sin precedentes.
Además del argumento principal esta cinta contiene una sublectura bastante interesante. Los alienígenas intentan hacer contacto con los seres humanos induciendo en sus mentes la imagen de una montaña y una breve melodía musical. La imagen y el sonido, los elementos esenciales del lenguaje cinematográfico constituyen aquí los medios básicos de una primera comunicación entre ambas especies. Luego, uno de los principales hombres a cargo de investigar los extraños sucesos y pieza clave en la organización de los seres humanos es un francés, Claude Lacombe, quien para poder comunicarse con los norteamericanos necesita de un traductor.
Finalmente se encuentra Roy Neary, el improbable viajero espacial, un hombre con serias deficiencias para comunicarse con su familia, a tal punto que ni siquiera es capaz de explicarle bien matemáticas a su hijo, ni menos tratar de explicarle a su mujer los extraños sucesos de los que ha sido testigo. Su historia contribuye a perfilar un argumento donde el tema central es la comunicación, con todo lo que este concepto significa. Una familia desunida es el mejor ejemplo de la falta de comunicación entre las personas, y por tanto una civilización altamente avanzada en múltiples aspectos debiera ostentar una clara comunicación entre sus individuos.
Spielberg ha tenido ocasión de desafiarse a sí mismo y presentar historias complejas y oscuras. Inteligencia Artificial y Minority Report son ejemplos de aquello, sin embargo ambas provienen de fuentes externas. Inteligencia Artificial fue un proyecto largamente acariciado por Stanley Kubrick basadp en un cuento de Brian Aldiss que nunca pudo concretar y Minority Report contiene varios elementos de la obra del escritor Philip K. Dick. Encuentros cercanos... en cambio contiene varios de los intereses propios de este director: evocaciones a su infancia, la vida fuera de La Tierra, las familias disfuncionales y los niños protagonistas.
El plano técnico es claramente uno de los aspectos más destacados de la cinta. En la fotografía Spielberg contó con la colaboración de Vilmos Zsigmond, aunque dicha labor también la ejercieron, entre otros, Laszlo Kovacs, John Alonzo, William A. Fraker y Douglas Slocombe. La banda sonora corresponde a uno de los viejos colaboradores del director, John Williams, quien desarrolla un extraordinario trabajo donde juega con los sonidos y las melodías disonantes en varias escenas (principalmente en el arribo de los alienígenas) y con la recordada melodía central que desarrolla sobre la base de cinco tonos y que en la última parte se despliega con toda majestuosidad.Encuentros cercanos del tercer tipo ostenta uno de los desenlaces más fascinantes que ha dado el cine, impregnado de magia y emoción. Una culminación precisa para una travesía no excentas de dificultades para sus protagonistas y que realza los múltiples aciertos de esta cinta, como son su inteligente argumento y su impecable ejecución. Spielberg ha presentado varias ediciones desde su estreno, agregándole y quitándole escenas, que en ningún caso alteran la historia o su apreciación. La última edición del 2007, presentada para celebrar los 30 años de la película, ofrece el mejor resultado, demostrando una vez más que se trata de una obra que se mantiene vigente en el tiempo.
Ficha Técnica:
Encuentros cercanos del tercer tipo.
Título Original: Close encounters of the third kind.
Año: 1977.
Duración: 135 min. (1977), 132 min. (1980), 137 min. (2007).
Director: Steven Spielberg.
Guión: Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Vilmos Zsigmond.
Reparto: Richard Dreyfuss, François Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon, Bob Balaban.
Trivia 1: El director francés François Truffaut destacó por la dirección de niños en cintas como Los 400 golpes y L'Argent de poche. Spielberg también se ha destacado por incluir reiteradamente a niños en roles protagónicos de sus cintas.
Trivia 2: A pedido de Spielberg John Williams utilizó el leitmotiv de la canción When You Wish upon a Star, tema central de la película Pinocho de 1940.
Trivia 3: J. Allen Hynek fue un destacado investigador del fenómeno ovni. Prestó su asesoría para la realización de esta película y aparece brevemente en la escena final junto al resto de las personas que observan con asombro el arribo de los extraterrestres.
Trivia 4: Douglas Slocombe estuvo a cargo de la fotografía en las secuencias que ocurren en La India. Posteriormente Slocombe volvería a trabajar con Spielberg en las primeras tres películas de la serie de Indiana Jones.
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Etiquetas: Spielberg
Los estrenos que trae el 2009.
Publicado por Andrés el viernes, diciembre 19, 2008
Esta es una pequeña lista de algunos de los esperados e interesantes títulos que trae el año 2009, entre ellos el regreso de James Cameron y los nuevos trabajos de Quentin Tarantino, Martin Scorsese, Peter Jackson, Wes Anderson y Spike Jonze.
Ángeles y Demonios.
Director: Ron Howard.
Reparto: Tom Hanks, Ewan McGregor.
Basada en la novela de Dan Brown, esta precuela de El Código Da Vinci cuenta la travesía del profesor Robert Langdon por desentrañar los secretos que involucran a la secta de los Illuminati con una poderosa arma.
Fechas de Estreno.
Antichrist.
Director: Lars von Trier.
Reparto: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg.
Con un título bastante sugerente el director danés Lars von Trier (Bailarina en la oscuridad) ofrece una historia de terror, género que este director ya había incursionado en su serie para la televisión Riget. En esta ocasión, Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg encarnan a una pareja que se retira a una perdida cabaña en el bosque tras la muerte de su hijo. En ese remoto escenario empezarán a ocurrirles aterradores sucesos.
Fechas de Estreno.
Avatar.
Director: James Cameron.
Reparto: Sigourney Weaver, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi.
El esperado regreso del director James Cameron. Este es un largometraje de ciencia ficción en que un ejército de humanos se enfrenta a un ejército alienígena en un planeta lejano. El film, con un presupuesto de casi 200 millones de dólares, probará nuevas tecnologías de animación para la recreación de los extraterrestres a un nivel nunca visto hasta ahora.
Fechas de Estreno.
Harry Potter y el misterio del Príncipe.
Director: David Yates.
Reparto: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Jim Broadbent, Rupert Grint.
Habrá que ver si la decisión de los ejectuvos de Warner Brotehrs de posponer un año el estreno de esta cinta trae los beneficios económicos esperados. Potter y Dumbledore se enfrentarán a Voldemort, para lo cual el joven mago contará con la ayuda de un viejo libro de pociones perteneciente a un misterioso príncipe.
Fechas de Estreno.
Inglourious Basterds.
Director: Quentin Tarantino.
Reparto: Brad Pitt, Mike Myers, Eli Roth.
Película largamente esperada, particularmente por los seguidores de Quentin Tarantino. Anunciada incluso antes de "Kill Bill" y "Grindhouse", y tras varios años postpuesta y retrasada sin muchas explicaciones, finalmente este director se ha puesto en marcha con esta historia que ostenta un argumento muy similar al de la cinta Doce del patíbulo. Durante la II Guerra Mundial, un grupo de soldados a punto de ser ejecutados reciben una segunda oportunidad, a cambio de que realicen una peligrosa misión. La intención de Tarantino es estrenarla en mayo durante el Festival de Cannes del 2009.
Fechas de Estreno.
Ondine.
Director: Neil Jordan
Reparto: Colin Farrell, Alicja Bachleda-Curus.
Un pescador del Suroeste de Irlanda encuentra a una muchacha en sus redes, Ondine, una ninfa marina mitológica que transforma la vida tanto del hombre y de los vecinos de su localidad.
Public Enemies.
Director: Michael Mann.
Reparto: Christian Bale, Johnny Depp.
Basada en el libro de Brian Burrough "Public Enemies: America's Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-43", Public Enemies narra la historia de Melvin Purvis (Christian Bale), el agente del FBI que lideró la búsqueda del atracador de bancos John Dillinger (Johnny Depp) y su banda.
Fechas de Estreno.
Ricky.
Director: François Ozon
Reparto: Sergi López, Alexandra Lamy, André Wilms.
En la nueva película del director François Ozon (8 mujeres, Swimming pool), Sergi Lopez (El laberinto del Fauno) y Alexandra Lamy interpretan a los padres de un niño que posee poderes sobrenaturales. El argumento cruza diversos géneros: thriller, comedia, terror y fantasía.
Fechas de Estreno.
Shutter Island.
Director: Martin Scorsese.
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow.
Scorsese y DiCaprio se reúnen por cuarta vez en una película, esta vez para adaptar la novela homónima de Dennis Lehane (autor de Mystic River y Gone Baby Gone). Shutter Island es un thriller psicológico en el que un sheriff (DiCaprio) investiga la misteriosa desaparición de una mujer, internada en un hospital psiquiátrico por comportamiento criminal. Todas las pistas llevan a que presumiblemente ha huido a la remota Shutter Island.
Fechas de Estreno.
Star Trek.
Director: J.J. Abrams.
Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Simon Pegg, Zoe Saldana, Karl Urban, Leonard Nimoy, Eric Bana y Winona Ryder.
La undécima cinta de la saga de Star Trek será dirigida por el creador de la serie Lost. En esta entrega se cuenta cómo se conocieron el capitan Kirk y Spock.
Fechas de Estreno.
Terminator Salvation.
Director: McG.
Reparto: Christian Bale, Bryce Dallas Howard, Helena Bonham Carter.
Cuarta entrega de la saga y la primera sin la presencia de Arnold Schwarzenegger. En el año 2018 Skynet prepara su ataque final. John Connor y un extraño llamado Marcus Wright se embarcan en una peligrosa misión que los llevará al centro de operaciones de Skynet, donde descubrirán el terrible secreto que se esconde tras la posible aniquilación de la humanidad.
Fechas de Estreno.
Tetro.
Director: Francis Ford Coppola.
Reparto: Vincent Gallo, Maribel Verdú, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura.
Esta película contará los días de una familia de artistas italianos, inmigrantes en Argentina. Inicialmente iba a estar en el Reparto Javier Bardem, pero por problema de agenda del actor su papel, cambiado al personaje de una mujer, será interpretado por Carmen Maura.
The Fantastic Mr. Fox.
Director: Wes Anderson.
Reparto: Voces de George Clooney, Cate Blanchett, Bill Murray.
El director Wes Anderson incursiona en el género de la animación (específicamente la técnica de stop motion) para adaptar la novela homónima de Roald Dahl. Para ello contará con la colaboración del fotógrafo Tristan Oliver (de Ardmann Studios) y con el diseñador de producción Alex McDowel, quien trabajó con Zach Snyder en Watchmen. La historia se centra en un tímido zorro llamado señor Fox, quien por las noches roba las gallinas, los patos y los pavos de los granjeros Boggis, Bunce y Bean, con la única intención de alimentar a su familia. Cansados de esta situación, los granjeros dedicen poner remedio al asunto y cazar a su oponente y a su familia.
Fechas de Estreno.
The Imaginarium of Doctor Parnassus.
Director: Terry Gilliam.
Reparto: Heath Ledger, Johnny Depp, Colin Farrell, Jude Law, Christopher Plummer.
El actor Heath Ledger falleció antes de concluir la filmación de esta película, la segunda en que colaboraba con el director Terry Gilliam (anteriormente trabajaron en Las aventuras de los hermanos Grimm). Luego del impacto que significó el fallecimiento de Ledger, Gilliam y sus productores optaron por continuar la producción, y el personaje de Ledger, Tony, será continuado con los actores Johhny Depp, Colin Farrell y Jude Law, en una historia acerca de un circo ambulante dirigido por el doctor Parnassus, en el que los trabajadores dan a la audiencia mucho más de lo que podrían esperarse.
Fechas de Estreno.
The Limits of Control.
Director: Jim Jarmusch
Reparto: Bill Murray, John Hurt, Tilda Swinton, Gael García Bernal.
Luego de Flores Rotas, el director Jim Jarmusch y el actor Bill Murray vuelven a colaborar en una película, esta vez con un argumento centrado en un misterioso criminal que visita España para terminar un trabajo. Madrid, Sevilla y Almería serán algunos de los escenarios donde se desarrollará la acción.
The Lovely Bones.
Director: Peter Jackson.
Reparto: Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon.
Basada en la novela homónima de Alice Sebold, la nueva película de Peter Jackson trata sobre una niña de 14 años llamada Susie Salmon que es violada y asesinada, y que ve desde el cielo como la vida de su familia y amigos cambia tras el terrible suceso. Un detective intentará resolver el caso mientras el asesino borra todas las pistas y se prepara para volver a matar.
Fechas de Estreno.
Transformers: Revenge of the Fallen.
Director: Michael Bay
Reparto: Shia LaBeouf, Megan Fox.
Secuela de la exitosa película basada en la serie de animación de los 80.
Fechas de Estreno.
The Tree of Life.
Director: Terrence Malick
Reparto: Brad Pitt, Sean Penn, Fiona Shaw.
De lo poco que ha trascendido sobre argumento de esta cinta es que se ambienta en los años 50 y en la cual un grupo de personajes se embarcará en un viaje rumbo a obtener “el árbol de la vida”.
Up.
Directores: Peter Docter, Bob Peterson.
Reparto: Voces de Christopher Plummer, John Ratzenberger, Edward Asner.
La nueva cinta de los estudios Pixar se centra en un hombre de 70 años que vive tranquilamente en una vieja casa hasta que aparece un joven con el que entabla una fuerte amistad, llevándolos a una aventura viajando en globo y luchando contra bestias y bandidos.
Fechas de Estreno.
Watchmen.
Director: Zack Snyder
Reparto: Patrick Wilson, Malin Akerman, Billy Crudup, Jeffrey Dean Morgan, Jackie Earle Haley.
Adaptación de la novela gráfica creada por Alan Moore y Dave Gibbons, esta historia se ambienta en una Norteamérica alternativa en los años 80, donde la Guerra Fría está en su apogeo y los superhéroes, que antes habían sido respetados, ahora son perseguidos por la ley. Un día aparece muerto uno de ellos, que trabajaba para la CIA: El comediante. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado que queda en actividad, emprenderá la investigación de su muerte, que oculta algo mucho más importante de lo que parece a simple vista.
Fechas de Estreno.
Where the Wild Things Are.
Director: Spike Jonze.
Reparto: Catherine Keener, James Gandolfini, Forest Whitaker, Catherine O'Hara.
La nueva cinta del director Spike Jonze (Being John Malkovich, Adaptation) será una adaptación del cuento homónimo de Maurice Sendak, donde se cuenta la historia de Max, un niño que es enviado a la cama sin cenar como castigo porque a veces le entra una rabia furiosa e incontenible contra todos y contra todo. En el silencio de su habitación, Max emprende un viaje a bordo de un barco donde romperá las leyes del tiempo y del espacio y se reunirá con unos monstruos que se comportan como él.
Fechas de Estreno.
Fuentes: IMDb, FilmAffinity.
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Ángeles y Demonios.Director: Ron Howard.
Reparto: Tom Hanks, Ewan McGregor.
Basada en la novela de Dan Brown, esta precuela de El Código Da Vinci cuenta la travesía del profesor Robert Langdon por desentrañar los secretos que involucran a la secta de los Illuminati con una poderosa arma.
Fechas de Estreno.
Antichrist.
Director: Lars von Trier.
Reparto: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg.
Con un título bastante sugerente el director danés Lars von Trier (Bailarina en la oscuridad) ofrece una historia de terror, género que este director ya había incursionado en su serie para la televisión Riget. En esta ocasión, Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg encarnan a una pareja que se retira a una perdida cabaña en el bosque tras la muerte de su hijo. En ese remoto escenario empezarán a ocurrirles aterradores sucesos.
Fechas de Estreno.
Avatar.
Director: James Cameron.
Reparto: Sigourney Weaver, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi.
El esperado regreso del director James Cameron. Este es un largometraje de ciencia ficción en que un ejército de humanos se enfrenta a un ejército alienígena en un planeta lejano. El film, con un presupuesto de casi 200 millones de dólares, probará nuevas tecnologías de animación para la recreación de los extraterrestres a un nivel nunca visto hasta ahora.
Fechas de Estreno.
Harry Potter y el misterio del Príncipe.
Director: David Yates.
Reparto: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Jim Broadbent, Rupert Grint.
Habrá que ver si la decisión de los ejectuvos de Warner Brotehrs de posponer un año el estreno de esta cinta trae los beneficios económicos esperados. Potter y Dumbledore se enfrentarán a Voldemort, para lo cual el joven mago contará con la ayuda de un viejo libro de pociones perteneciente a un misterioso príncipe.
Fechas de Estreno.
Inglourious Basterds.
Director: Quentin Tarantino.
Reparto: Brad Pitt, Mike Myers, Eli Roth.
Película largamente esperada, particularmente por los seguidores de Quentin Tarantino. Anunciada incluso antes de "Kill Bill" y "Grindhouse", y tras varios años postpuesta y retrasada sin muchas explicaciones, finalmente este director se ha puesto en marcha con esta historia que ostenta un argumento muy similar al de la cinta Doce del patíbulo. Durante la II Guerra Mundial, un grupo de soldados a punto de ser ejecutados reciben una segunda oportunidad, a cambio de que realicen una peligrosa misión. La intención de Tarantino es estrenarla en mayo durante el Festival de Cannes del 2009.
Fechas de Estreno.
Ondine.
Director: Neil Jordan
Reparto: Colin Farrell, Alicja Bachleda-Curus.
Un pescador del Suroeste de Irlanda encuentra a una muchacha en sus redes, Ondine, una ninfa marina mitológica que transforma la vida tanto del hombre y de los vecinos de su localidad.
Public Enemies.
Director: Michael Mann.
Reparto: Christian Bale, Johnny Depp.
Basada en el libro de Brian Burrough "Public Enemies: America's Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-43", Public Enemies narra la historia de Melvin Purvis (Christian Bale), el agente del FBI que lideró la búsqueda del atracador de bancos John Dillinger (Johnny Depp) y su banda.
Fechas de Estreno.
Ricky.
Director: François Ozon
Reparto: Sergi López, Alexandra Lamy, André Wilms.
En la nueva película del director François Ozon (8 mujeres, Swimming pool), Sergi Lopez (El laberinto del Fauno) y Alexandra Lamy interpretan a los padres de un niño que posee poderes sobrenaturales. El argumento cruza diversos géneros: thriller, comedia, terror y fantasía.
Fechas de Estreno.
Shutter Island.
Director: Martin Scorsese.
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow.
Scorsese y DiCaprio se reúnen por cuarta vez en una película, esta vez para adaptar la novela homónima de Dennis Lehane (autor de Mystic River y Gone Baby Gone). Shutter Island es un thriller psicológico en el que un sheriff (DiCaprio) investiga la misteriosa desaparición de una mujer, internada en un hospital psiquiátrico por comportamiento criminal. Todas las pistas llevan a que presumiblemente ha huido a la remota Shutter Island.
Fechas de Estreno.
Star Trek.
Director: J.J. Abrams.
Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Simon Pegg, Zoe Saldana, Karl Urban, Leonard Nimoy, Eric Bana y Winona Ryder.
La undécima cinta de la saga de Star Trek será dirigida por el creador de la serie Lost. En esta entrega se cuenta cómo se conocieron el capitan Kirk y Spock.
Fechas de Estreno.
Terminator Salvation.
Director: McG.
Reparto: Christian Bale, Bryce Dallas Howard, Helena Bonham Carter.
Cuarta entrega de la saga y la primera sin la presencia de Arnold Schwarzenegger. En el año 2018 Skynet prepara su ataque final. John Connor y un extraño llamado Marcus Wright se embarcan en una peligrosa misión que los llevará al centro de operaciones de Skynet, donde descubrirán el terrible secreto que se esconde tras la posible aniquilación de la humanidad.
Fechas de Estreno.
Tetro.
Director: Francis Ford Coppola.
Reparto: Vincent Gallo, Maribel Verdú, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura.
Esta película contará los días de una familia de artistas italianos, inmigrantes en Argentina. Inicialmente iba a estar en el Reparto Javier Bardem, pero por problema de agenda del actor su papel, cambiado al personaje de una mujer, será interpretado por Carmen Maura.
The Fantastic Mr. Fox.
Director: Wes Anderson.
Reparto: Voces de George Clooney, Cate Blanchett, Bill Murray.
El director Wes Anderson incursiona en el género de la animación (específicamente la técnica de stop motion) para adaptar la novela homónima de Roald Dahl. Para ello contará con la colaboración del fotógrafo Tristan Oliver (de Ardmann Studios) y con el diseñador de producción Alex McDowel, quien trabajó con Zach Snyder en Watchmen. La historia se centra en un tímido zorro llamado señor Fox, quien por las noches roba las gallinas, los patos y los pavos de los granjeros Boggis, Bunce y Bean, con la única intención de alimentar a su familia. Cansados de esta situación, los granjeros dedicen poner remedio al asunto y cazar a su oponente y a su familia.
Fechas de Estreno.
The Imaginarium of Doctor Parnassus.
Director: Terry Gilliam.
Reparto: Heath Ledger, Johnny Depp, Colin Farrell, Jude Law, Christopher Plummer.
El actor Heath Ledger falleció antes de concluir la filmación de esta película, la segunda en que colaboraba con el director Terry Gilliam (anteriormente trabajaron en Las aventuras de los hermanos Grimm). Luego del impacto que significó el fallecimiento de Ledger, Gilliam y sus productores optaron por continuar la producción, y el personaje de Ledger, Tony, será continuado con los actores Johhny Depp, Colin Farrell y Jude Law, en una historia acerca de un circo ambulante dirigido por el doctor Parnassus, en el que los trabajadores dan a la audiencia mucho más de lo que podrían esperarse.
Fechas de Estreno.
The Limits of Control.
Director: Jim Jarmusch
Reparto: Bill Murray, John Hurt, Tilda Swinton, Gael García Bernal.
Luego de Flores Rotas, el director Jim Jarmusch y el actor Bill Murray vuelven a colaborar en una película, esta vez con un argumento centrado en un misterioso criminal que visita España para terminar un trabajo. Madrid, Sevilla y Almería serán algunos de los escenarios donde se desarrollará la acción.
The Lovely Bones.
Director: Peter Jackson.
Reparto: Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon.
Basada en la novela homónima de Alice Sebold, la nueva película de Peter Jackson trata sobre una niña de 14 años llamada Susie Salmon que es violada y asesinada, y que ve desde el cielo como la vida de su familia y amigos cambia tras el terrible suceso. Un detective intentará resolver el caso mientras el asesino borra todas las pistas y se prepara para volver a matar.
Fechas de Estreno.
Transformers: Revenge of the Fallen.
Director: Michael Bay
Reparto: Shia LaBeouf, Megan Fox.
Secuela de la exitosa película basada en la serie de animación de los 80.
Fechas de Estreno.
The Tree of Life.
Director: Terrence Malick
Reparto: Brad Pitt, Sean Penn, Fiona Shaw.
De lo poco que ha trascendido sobre argumento de esta cinta es que se ambienta en los años 50 y en la cual un grupo de personajes se embarcará en un viaje rumbo a obtener “el árbol de la vida”.
Up.
Directores: Peter Docter, Bob Peterson.
Reparto: Voces de Christopher Plummer, John Ratzenberger, Edward Asner.
La nueva cinta de los estudios Pixar se centra en un hombre de 70 años que vive tranquilamente en una vieja casa hasta que aparece un joven con el que entabla una fuerte amistad, llevándolos a una aventura viajando en globo y luchando contra bestias y bandidos.
Fechas de Estreno.
Watchmen.
Director: Zack Snyder
Reparto: Patrick Wilson, Malin Akerman, Billy Crudup, Jeffrey Dean Morgan, Jackie Earle Haley.
Adaptación de la novela gráfica creada por Alan Moore y Dave Gibbons, esta historia se ambienta en una Norteamérica alternativa en los años 80, donde la Guerra Fría está en su apogeo y los superhéroes, que antes habían sido respetados, ahora son perseguidos por la ley. Un día aparece muerto uno de ellos, que trabajaba para la CIA: El comediante. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado que queda en actividad, emprenderá la investigación de su muerte, que oculta algo mucho más importante de lo que parece a simple vista.
Fechas de Estreno.
Where the Wild Things Are.
Director: Spike Jonze.
Reparto: Catherine Keener, James Gandolfini, Forest Whitaker, Catherine O'Hara.
La nueva cinta del director Spike Jonze (Being John Malkovich, Adaptation) será una adaptación del cuento homónimo de Maurice Sendak, donde se cuenta la historia de Max, un niño que es enviado a la cama sin cenar como castigo porque a veces le entra una rabia furiosa e incontenible contra todos y contra todo. En el silencio de su habitación, Max emprende un viaje a bordo de un barco donde romperá las leyes del tiempo y del espacio y se reunirá con unos monstruos que se comportan como él.
Fechas de Estreno.
Fuentes: IMDb, FilmAffinity.
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La Cosa, de John Carpenter.
Publicado por Andrés el martes, diciembre 09, 2008
Unos científicos norteamericanos instalados en una base en la Antártida son testigos de la inusual acción de sus colegas noruegos de una base cercana que persiguen disparando desde un helicóptero a un perro que corre por la nieve. El episodio termina con los noruegos muertos y el perro rescatado por los norteamericanos. Sin embargo la inusual actitud de los noruegos motiva al equipo de norteamericanos liderados por MacReady (Kurt Russell) ha ir a la base de sus colegas escandinavos. El resultado es el hallazgo de un lugar desolado, donde sólo encuentran cuerpos de seres humanos deformados y quemados y un video que muestra el descubrimiento por parte de los noruegos de un gran objeto enterrado en la nieve, que posteriormente se revela como una gigantesca nave espacial.
El asunto sin embargo no termina allí. Las extrañas actitudes del perro y la investigación que luego hacen los científicos de los cuerpos deformados concluirá con la desagradable sorpresa de tener que enfrentarse ante un ser venido del espacio y que tiene la cualidad de reproducir fielmente la forma de otro ser vivo. El suspenso se conjuga con el terror en esta sólida realización del director John Carpenter, que bien puede constituir una muestra de uno de los momentos más fructíferos de su carrera, aquella de comienzos de los 80 donde dio vida a cintas como La Niebla y Escape de Nueva York.
La Cosa es un clásico relato que mezcla los géneros de ciencia ficción y terror y que tiene su influencia directa en El enigma de otro mundo, cinta de 1951 realizada por Howard Hawks, aunque más que un remake es un homenaje de Carpenter a uno de los directores y productores que más admiración le ha producido. Pero además se puede encontrar otro paralelismo en la cinta La invasión de los usurpadores de cuerpos, producción de 1956 dirigida por Don Siegel donde unas semillas provenientes del espacio son capaces de duplicar la apariencia de las personas, y donde la paranoia se instala entre los personajes y surge la desconfianza entre los mismos producto de no saber quién realmente es un ser humano y quién no.
Sin embargo, más allá de estas comparaciones La Cosa tiene méritos propios. Su desenlace no deja una sensación de confortabilidad ni tampoco tiene las sublecturas políticas de la cinta de Don Siegel. Carpenter, aprovechando las condiciones de un recinto limitado y alejado en varios kilómetros de la zona habitable más próxima, arma un relato preciso de suspenso y terror, utilizando un muy buen nivel de producción, con personajes no estereotipados, diálogos inteligentes y una historia que no se hace predecible, logrando un ritmo que nunca decae y con buenos momentos de tensión y acción. La inteligencia con que se asume el relato se refleja en la antológica escena final, una de los mejores que se han hecho en cintas de este tipo.
La Cosa es de aquellas películas que no fueron bien valoradas en su momento, marcando un punto de inflexión en la carrera de Carpenter. Sin embargo no suele ser extraño que diversas realizaciones no logren el éxito de crítica y público debido principalmente al momento en que fueron estrenadas. Los parámetros que se utilizan para valorizarlas son las que llevan en un momento a malas interpretaciones o injustas comparaciones, las que con el tiempo son revertidas y calificadas de certezas. Y eso es precisamente el gran mérito que tienen las buenas películas, que el tiempo no pasa en vano con ellas sino al contrario, las mantiene vigentes o mejor aún, tal como sucede con esta película, aumentan su favorable valorización con los años.
Ficha Técnica:
La Cosa.
Título Original: John Carpenter's The Thing.
Año: 1982.
Duración: 109 min.
Director: John Carpenter.
Guión: Bill Lancaster.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Dean Cundey.
Reparto: Kurt Russell, Keith David, A. Wilford Brimley, Richard Dysart, Richard Masur.
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El asunto sin embargo no termina allí. Las extrañas actitudes del perro y la investigación que luego hacen los científicos de los cuerpos deformados concluirá con la desagradable sorpresa de tener que enfrentarse ante un ser venido del espacio y que tiene la cualidad de reproducir fielmente la forma de otro ser vivo. El suspenso se conjuga con el terror en esta sólida realización del director John Carpenter, que bien puede constituir una muestra de uno de los momentos más fructíferos de su carrera, aquella de comienzos de los 80 donde dio vida a cintas como La Niebla y Escape de Nueva York.
La Cosa es un clásico relato que mezcla los géneros de ciencia ficción y terror y que tiene su influencia directa en El enigma de otro mundo, cinta de 1951 realizada por Howard Hawks, aunque más que un remake es un homenaje de Carpenter a uno de los directores y productores que más admiración le ha producido. Pero además se puede encontrar otro paralelismo en la cinta La invasión de los usurpadores de cuerpos, producción de 1956 dirigida por Don Siegel donde unas semillas provenientes del espacio son capaces de duplicar la apariencia de las personas, y donde la paranoia se instala entre los personajes y surge la desconfianza entre los mismos producto de no saber quién realmente es un ser humano y quién no.
Sin embargo, más allá de estas comparaciones La Cosa tiene méritos propios. Su desenlace no deja una sensación de confortabilidad ni tampoco tiene las sublecturas políticas de la cinta de Don Siegel. Carpenter, aprovechando las condiciones de un recinto limitado y alejado en varios kilómetros de la zona habitable más próxima, arma un relato preciso de suspenso y terror, utilizando un muy buen nivel de producción, con personajes no estereotipados, diálogos inteligentes y una historia que no se hace predecible, logrando un ritmo que nunca decae y con buenos momentos de tensión y acción. La inteligencia con que se asume el relato se refleja en la antológica escena final, una de los mejores que se han hecho en cintas de este tipo. La Cosa es de aquellas películas que no fueron bien valoradas en su momento, marcando un punto de inflexión en la carrera de Carpenter. Sin embargo no suele ser extraño que diversas realizaciones no logren el éxito de crítica y público debido principalmente al momento en que fueron estrenadas. Los parámetros que se utilizan para valorizarlas son las que llevan en un momento a malas interpretaciones o injustas comparaciones, las que con el tiempo son revertidas y calificadas de certezas. Y eso es precisamente el gran mérito que tienen las buenas películas, que el tiempo no pasa en vano con ellas sino al contrario, las mantiene vigentes o mejor aún, tal como sucede con esta película, aumentan su favorable valorización con los años.
Ficha Técnica:
La Cosa.
Título Original: John Carpenter's The Thing.
Año: 1982.
Duración: 109 min.
Director: John Carpenter.
Guión: Bill Lancaster.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Dean Cundey.
Reparto: Kurt Russell, Keith David, A. Wilford Brimley, Richard Dysart, Richard Masur.
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El Orfanato.
Publicado por Andrés el viernes, noviembre 28, 2008
El Orfanato cuenta la historia de Laura, una mujer que decide comprar una antigua casona que albergó hasta hace algunos años un orfanato donde pasó los primeros años de su vida. El objetivo de Laura es colocar allí una casa para el cuidado de niños con discapacidad, empresa en la que la acompañará su esposo Carlos y su pequeño hijo Simón. Sin embargo lo que no sospecha Laura es que el regreso a ese lugar no estará excento de dificultades, las que con el transcurrir de los días comprobará sus estremecedores alcances.
Siguiendo en un comienzo la tradición del relato de suspenso en torno a extraños fenómenos paranormales, el argumento de esta cinta va desembarcando progresivamente en el drama y posteriormente en la tragedia. En líneas generales la película cumple con todo aquello que se dejaba entrever en el trailer, por lo que se destaca el muy buen nivel de producción (fotografía, dirección de arte, sonido y edición) y la interpretación de la actriz Belén Rueda en el rol de Laura.
Sin embargo el resultado en líneas generales no es del todo placentero. La historia se hace algo predecible y en el plano de la ejecución algunas escenas resultan algo forzadas. Hay uso de ciertos recursos que resultan gratuitos, como aquel en que una inquieta cámara manual sigue a Laura mientras corre por la playa hacia una caverna donde cree que está su hijo en peligro. El resultado parece excesivo y poco natural para una escena que de por sí contiene una fuerte emotividad.
Tratándose de un drama con elementos paranormales éstos últimos se siguen con cierto excepticismo. Quizás la cuidada puesta en escena, tan precisa en términos técnicos, contribuye a que el relato sea algo distante, donde la necesidad de creer en la historia no alcanza a conmover completamente. La última escena sintetiza lo señalado anteriormente y refleja la sensación final que deja El Orfanato, una dicotomía entre el drama vivido por Laura y la necesidad de creer en lo que ocurre en la casona.
Ficha Técnica:
El Orfanato.
Título Original: El Orfanato.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Director: Juan Antonio Bayona.
Guión: Sergio G. Sánchez.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Oscar Faura.
Reparto: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Edgar Vivar, Géraldine Chaplin.
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Siguiendo en un comienzo la tradición del relato de suspenso en torno a extraños fenómenos paranormales, el argumento de esta cinta va desembarcando progresivamente en el drama y posteriormente en la tragedia. En líneas generales la película cumple con todo aquello que se dejaba entrever en el trailer, por lo que se destaca el muy buen nivel de producción (fotografía, dirección de arte, sonido y edición) y la interpretación de la actriz Belén Rueda en el rol de Laura.
Sin embargo el resultado en líneas generales no es del todo placentero. La historia se hace algo predecible y en el plano de la ejecución algunas escenas resultan algo forzadas. Hay uso de ciertos recursos que resultan gratuitos, como aquel en que una inquieta cámara manual sigue a Laura mientras corre por la playa hacia una caverna donde cree que está su hijo en peligro. El resultado parece excesivo y poco natural para una escena que de por sí contiene una fuerte emotividad.
Tratándose de un drama con elementos paranormales éstos últimos se siguen con cierto excepticismo. Quizás la cuidada puesta en escena, tan precisa en términos técnicos, contribuye a que el relato sea algo distante, donde la necesidad de creer en la historia no alcanza a conmover completamente. La última escena sintetiza lo señalado anteriormente y refleja la sensación final que deja El Orfanato, una dicotomía entre el drama vivido por Laura y la necesidad de creer en lo que ocurre en la casona.
Ficha Técnica:
El Orfanato.
Título Original: El Orfanato.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Director: Juan Antonio Bayona.
Guión: Sergio G. Sánchez.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Oscar Faura.
Reparto: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Edgar Vivar, Géraldine Chaplin.
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Petróleo Sangriento.
Publicado por Andrés el sábado, noviembre 15, 2008
Daniel Plainview es un empresario del petróleo, un hombre que ha surgido mediante el esfuerzo y el sacrificio. Plainview es la encarnación de la ambición, pero también del hombre que ha postergado otros aspectos de la vida (como el de constituir una familia) para llevar a cabo sus objetivos: tener el control de cada uno de los procesos que implica la extracción y venta del petróleo. La contraparte de Plainview la representa Eli Sunday, un personaje detestable, con una obstinación y arrogancia que se encuentran a la par de Plainview, pero cuyo propósito es la congregación de su Iglesia. Para ello somete a sus feligreses a intensos sermones para insentivar el fanatismo por la fe, tal como Plainview les habla a los dueños de las tierras de donde extraerá el petróleo. El enfrentamiento de estos dos hombres marca el relato de Petróleo Sangriento, una cinta que ofrece más de algún aspecto interesante.
El director Paul Thomas Anderson es conocido por ser un director que brinda una amplia red de apoyo para el lucimiento de los actores. Su virtud radica en un notable trabajo de guionista, sabiendo crear diálogos y escenas inteligentes. Pero a su vez Anderson usa su cámara para captar miradas, momentos de emoción que salen de los personajes, y con ello sustenta buena parte de sus relatos. En este película, Anderson aplica aquello que lo impulsó en su carrera como director para adentrarse en la época de principios del siglo XX, apelando esta vez a una cámara más contemplativa, planos de larga duración, secuencias sin diálogos y haciendo aparecer personajes sin que quede claro en un comienzo cuáles son sus reales motivaciones.
Petróleo Sangriento narra los hechos omitiendo cualquier tipo de explicación, salvo por señalar el año en que ocurren. No se lleva de la mano al espectador, al contrario, éste debe ir descubriendo poco a poco los aspectos generales y particulares de la historia. Anderson exige al espectador desarrollando el relato de manera paulatina, pero haciendo que cada cierto momento ocurra algún suceso: un golpe, una caída, un diálogo, algún evento con un alto grado de impacto emocional que mantiene la expectación en el relato y lo vuelve a encumbrar. De aquellos instantes que aparecen como oleadas se arma esta película, de momentos intensos en los que se aprecia la fotografía de Robert Elswit, la calidad actoral del reparto (aunque la caracterización de Day-Lewis recuerda en demasía a la que realizó para Gangs of New York), y sobretodo la potente banda sonora de Jonny Greenwood.
Los silencios verbales, los gestos, las conversaciones, las imágenes, la música. De ese mosaico de elementos Anderson va configurando una historia potente que habla del individualismo, de la frialdad, de la carencia de lazos afectivos, de la codicia, de la manipulación, del poder y fundamentalmente del engaño. Eso es Petróleo Sangriento y eso es también Daniel Plainview, el eje en torno al cual gira el relato. Película y personaje son uno sólo, ramificándose a partir de él la historia en toda su extensión, haciendo que los otros personajes sólo giren en torno a él. De lo anterior resultan escenas notables, como aquella en que Plainview descubre quién es su hermano Henry. Una escena cargada de sutileza y que sintetiza en gran parte el estilo de la película en forma y fondo: no hay explicaciones, sólo la mirada y el silencio para darse cuenta de la desilusionante verdad.
Ficha Técnica:
Petróleo Sangriento.
Título Original: There Will Be Blood.
Año: 2007.
Duración: 158 min.
Director: Paul Thomas Anderson.
Guión: Paul Thomas Anderson (Basada en la novela de Upton Sinclair).
Música: Jonny Greenwood.
Fotografía: Robert Elswit.
Reparto: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, Russell Harvard.
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El director Paul Thomas Anderson es conocido por ser un director que brinda una amplia red de apoyo para el lucimiento de los actores. Su virtud radica en un notable trabajo de guionista, sabiendo crear diálogos y escenas inteligentes. Pero a su vez Anderson usa su cámara para captar miradas, momentos de emoción que salen de los personajes, y con ello sustenta buena parte de sus relatos. En este película, Anderson aplica aquello que lo impulsó en su carrera como director para adentrarse en la época de principios del siglo XX, apelando esta vez a una cámara más contemplativa, planos de larga duración, secuencias sin diálogos y haciendo aparecer personajes sin que quede claro en un comienzo cuáles son sus reales motivaciones.
Petróleo Sangriento narra los hechos omitiendo cualquier tipo de explicación, salvo por señalar el año en que ocurren. No se lleva de la mano al espectador, al contrario, éste debe ir descubriendo poco a poco los aspectos generales y particulares de la historia. Anderson exige al espectador desarrollando el relato de manera paulatina, pero haciendo que cada cierto momento ocurra algún suceso: un golpe, una caída, un diálogo, algún evento con un alto grado de impacto emocional que mantiene la expectación en el relato y lo vuelve a encumbrar. De aquellos instantes que aparecen como oleadas se arma esta película, de momentos intensos en los que se aprecia la fotografía de Robert Elswit, la calidad actoral del reparto (aunque la caracterización de Day-Lewis recuerda en demasía a la que realizó para Gangs of New York), y sobretodo la potente banda sonora de Jonny Greenwood.
Los silencios verbales, los gestos, las conversaciones, las imágenes, la música. De ese mosaico de elementos Anderson va configurando una historia potente que habla del individualismo, de la frialdad, de la carencia de lazos afectivos, de la codicia, de la manipulación, del poder y fundamentalmente del engaño. Eso es Petróleo Sangriento y eso es también Daniel Plainview, el eje en torno al cual gira el relato. Película y personaje son uno sólo, ramificándose a partir de él la historia en toda su extensión, haciendo que los otros personajes sólo giren en torno a él. De lo anterior resultan escenas notables, como aquella en que Plainview descubre quién es su hermano Henry. Una escena cargada de sutileza y que sintetiza en gran parte el estilo de la película en forma y fondo: no hay explicaciones, sólo la mirada y el silencio para darse cuenta de la desilusionante verdad.
Ficha Técnica:
Petróleo Sangriento.
Título Original: There Will Be Blood.
Año: 2007.
Duración: 158 min.
Director: Paul Thomas Anderson.
Guión: Paul Thomas Anderson (Basada en la novela de Upton Sinclair).
Música: Jonny Greenwood.
Fotografía: Robert Elswit.
Reparto: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, Russell Harvard.
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El cine, un medio de guionistas.
Publicado por Andrés el sábado, noviembre 08, 2008
Las películas son fruto de un trabajo colectivo, donde el esfuerzo individual va de la mano con la unificación de criterios de quienes participan en su elaboración. Por tal motivo el éxito de muchas realizaciones, así como la consolidación de las carreras de muchos cineastas, se basan en buena parte en la mantención de los equipos de trabajo. No es casualidad entonces que en las filmografías de directores importantes los nombres de productores, editores y otros asistentes se repitan una y otra vez.
Sin embargo la historia del cine da fe de que ha habido momentos en que algunos cargos resultan ser más gravitantes que otros a la hora de llevar una idea a la gran pantalla. En los primeras décadas de Hollywood, por ejemplo, especial preponderancia tuvieron los grandes productores. Hombres como Mack Sennett, Louis B. Mayer, Irving Thalberg y David O. Selznick fueron los que impulsaron el desarrollo de la gran industria del cine y los que atrajeron a directores, actores y técnicos para que pudieran desplegar su oficio.
En los años 50 adquirió forma la idea de que el director era el gran artífice de una cinta. Los miembros de la Nouvelle Vague (Truffaut, Chabrol, Godard) fijaron su atención en el poder del cineasta. El director era el artistas en torno al cual giraba la obra cinematográfica. Coincidentemente aparecieron realizadores como Bergman y Kurosawa que confirmaron esta idea. En los años 60 los jóvenes cineastas norteamericanos hicieron eco de este nuevo impulso y comenzaron a expresar sus propias ideas sin pedirle permiso a ningún estudio.
Hoy en día se puede afirmar que el cine se encuentra en manos de los guionistas. En todas partes, y no sólo en la gran industria, se requiere el talento de un buen escritor que colabore con el realizador para delinear personajes, estructurar escenas y construir buenos diálogos. El cine se ha transformado en un medio idóneo para el desarrollo de los escritores, más aún cuando muchos cineastas de hoy prefieren centrar su atención en el dominio de la técnica, forjándose primero como audiovisualistas que hacen sus primeras armas en rubros como la publicidad.
La huelga de ese gremio en Hollywood, que se prolongó desde noviembre del año pasado hasta febreo de este año, dio cuenta de la importancia de un escritor en nuestros tiempos para llevar a cabo una idea a la pantalla. La búsqueda permanente de nuevas ideas han hecho que productores y directores pongan su atención en novelas, comics, videojuegos y viejos programas de la televisión, y por lo tanto cobra valor el trabajo del guionista para aportar con una historia original o sabiendo adaptar la obra de otra persona. Nada se hace si no está escrito.
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Sin embargo la historia del cine da fe de que ha habido momentos en que algunos cargos resultan ser más gravitantes que otros a la hora de llevar una idea a la gran pantalla. En los primeras décadas de Hollywood, por ejemplo, especial preponderancia tuvieron los grandes productores. Hombres como Mack Sennett, Louis B. Mayer, Irving Thalberg y David O. Selznick fueron los que impulsaron el desarrollo de la gran industria del cine y los que atrajeron a directores, actores y técnicos para que pudieran desplegar su oficio.
En los años 50 adquirió forma la idea de que el director era el gran artífice de una cinta. Los miembros de la Nouvelle Vague (Truffaut, Chabrol, Godard) fijaron su atención en el poder del cineasta. El director era el artistas en torno al cual giraba la obra cinematográfica. Coincidentemente aparecieron realizadores como Bergman y Kurosawa que confirmaron esta idea. En los años 60 los jóvenes cineastas norteamericanos hicieron eco de este nuevo impulso y comenzaron a expresar sus propias ideas sin pedirle permiso a ningún estudio.
Hoy en día se puede afirmar que el cine se encuentra en manos de los guionistas. En todas partes, y no sólo en la gran industria, se requiere el talento de un buen escritor que colabore con el realizador para delinear personajes, estructurar escenas y construir buenos diálogos. El cine se ha transformado en un medio idóneo para el desarrollo de los escritores, más aún cuando muchos cineastas de hoy prefieren centrar su atención en el dominio de la técnica, forjándose primero como audiovisualistas que hacen sus primeras armas en rubros como la publicidad.
La huelga de ese gremio en Hollywood, que se prolongó desde noviembre del año pasado hasta febreo de este año, dio cuenta de la importancia de un escritor en nuestros tiempos para llevar a cabo una idea a la pantalla. La búsqueda permanente de nuevas ideas han hecho que productores y directores pongan su atención en novelas, comics, videojuegos y viejos programas de la televisión, y por lo tanto cobra valor el trabajo del guionista para aportar con una historia original o sabiendo adaptar la obra de otra persona. Nada se hace si no está escrito.
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